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PASSEGGIATE MENTALI_ (90 articoli)

  • Manuale digitale del Cinema Dissacrante

    Manuale digitale del Cinema Dissacrante

    “Dissacrante” è un aggettivo che indica qualcosa che è in grado di oltraggiare, sfidare o violare deliberatamente le norme, le convenzioni o i valori sacri, sia religiosi che culturali. Questo termine viene utilizzato per descrivere qualcosa di provocatorio, irriverente o che mette in discussione idee o istituzioni considerate intoccabili o sacre dalla società o dalla cultura in cui si inseriscono. L’etimologia del termine “dissacrante” deriva dalla combinazione del prefisso “dis” (che indica un’azione negativa o contraria) e dal termine “sacro” che ha radici latine e fa riferimento al concetto di santo o consacrato. Un sinonimo di “dissacrante” potrebbe essere “irriverente”. Entrambi gli aggettivi descrivono qualcosa che manca di rispetto per le norme, le istituzioni o le convenzioni, solitamente in modo provocatorio, sfidando le aspettative sociali o culturali. Altri sinonimi potrebbero essere “scorretto”, “sacrilego”, “provocatorio” o “sfacciato”, a seconda del contesto in cui vengono utilizzati.

    Quindi, letteralmente, “dissacrante” significa “che toglie la sacralità o il carattere sacro a qualcosa”, con una connotazione di sfida o oltraggio nei confronti di ciò che è considerato sacro o intoccabile. Questo aggettivo è spesso usato per descrivere opere artistiche, opere letterarie, film o azioni che mirano a mettere in discussione dogmi, valori tradizionali o concetti considerati sacri dalla società. Il cinema non poteva fare eccezione ed in questo articolo abbiamo raccolto i 10 film tra i più dissacranti mai realizzati.

    Brian di Nazareth

    Diretto da Terry Jones, questo film dei Monty Python affronta temi religiosi in modo satirico, seguendo la storia di un uomo di nome Brian che vive nell’antica Giudea e viene letteralmente scambiato per il Messia.

    Arancia meccanica

    Diretto da Stanley Kubrick, questo film si concentra sulla violenza giovanile e sulla psicologia del male, esplorando il tema del libero arbitrio attraverso un protagonista violento e disturbato.

    Salò o le 120 giornate di Sodoma

    Diretto da Pier Paolo Pasolini, il film affronta temi di potere, sadismo e perversione attraverso una rappresentazione estremamente cruda e provocatoria.

    La montagna sacra

    Diretto da Alejandro Jodorowsky, questo film surrealista e simbolico mette in discussione le istituzioni religiose, sociali e politiche attraverso una serie di immagini e simbolismi visivi.

    Dogma

    Diretto da Kevin Smith, questo film presenta una visione satirica e irriverente della religione e dei dogmi religiosi attraverso una trama che coinvolge angeli, un’apocalisse e un gruppo di personaggi umani connessi a temi spirituali.

    Borat 2

    Borat Seguito di film cinema: il ritorno del giornalista kazako che diverte (e fa arrabbiare) chiunque

    This Is the End

    Questo film, diretto da Seth Rogen e Evan Goldberg, è una commedia apocalittica che vede diversi attori interpretare versioni di sé stessi in una situazione di fine del mondo, utilizzando humor oscuro e autoironico.

    “The Wolf of Wall Street

    Diretto da Martin Scorsese, questo film segue la storia vera di Jordan Belfort, un broker di Wall Street, mostrando il suo stile di vita eccessivo e immorale, mettendo in discussione il mondo della finanza e della moralità.

    Postal

    Un film che entra di diritto nell’universo del cinema più dissacrante di sempre.

    American Psycho

    Basato sul romanzo di Bret Easton Ellis, il film diretto da Mary Harron segue la vita di Patrick Bateman, un giovane banchiere con tendenze psicopatiche, critica la società degli anni ’80 e le ossessioni materialistiche.

    Fight Club

    Diretto da David Fincher, questo film basato sul romanzo di Chuck Palahniuk mostra una critica al consumismo e alla società moderna attraverso un club segreto che promuove (direttamente o indirettamente, pur sempre in maniera provocatoria) la ribellione contro lo status quo.

  • Critica della Ragione Televisiva

    Critica della Ragione Televisiva

     Kant ha enfatizzato l’importanza dell’autonomia della ragione e della libertà individuale nell’assumere decisioni morali e nell’esercitare il giudizio razionale. Tuttavia, la televisione può spesso influenzare questi processi in modi che potrebbero non essere compatibili con la visione kantiana. Una critica della ragione televisiva sul modello di Kant potrebbe concentrarsi sul modo in cui la televisione influisce sulla nostra capacità di ragionare in modo autonomo e razionale, così come sull’uso della nostra libertà.

    In primo luogo, la televisione può limitare la nostra capacità di ragionare autonomamente fornendo informazioni parziali o distorti su vari argomenti. Questo può portare a una mancanza di libertà nel processo decisionale, poiché siamo influenzati da ciò che ci viene presentato senza la possibilità di esaminare obiettivamente tutte le prospettive. In secondo luogo, la televisione può promuovere un consumo passivo di contenuti anziché un coinvolgimento attivo e critico con le informazioni presentate. Questo può portare a una dipendenza da parte degli spettatori dalle narrazioni mediatiche anziché dalla loro capacità di ragionare autonomamente. Inoltre, Kant ha sottolineato l’importanza della moralità nell’uso della ragione e della libertà. Tuttavia, la televisione può spesso promuovere valori superficiali o materialistici che potrebbero contrastare con i principi morali kantiani.

    Kant è noto per una serie di concetti chiave nel suo pensiero filosofico, tra cui l’autonomia della ragione, l’imperativo categorico e la dignità umana. Vediamo come questi concetti possono essere applicati al contesto della critica della ragione televisiva:

    1. Autonomia della ragione: Kant sostiene che la ragione debba essere autonoma, cioè guidata da principi razionali e morali anziché da influenze esterne. Nell’applicazione a una critica della ragione televisiva, questo concetto suggerisce che gli individui dovrebbero esercitare la propria ragione in modo indipendente rispetto ai messaggi e alle narrazioni mediatiche. La televisione, se non utilizzata con discernimento critico, potrebbe compromettere questa autonomia, influenzando il modo in cui le persone pensano e prendono decisioni.
    2. Imperativo categorico: Kant presenta l’imperativo categorico come un principio morale fondamentale che richiede di agire solo secondo massime che possono essere universalizzate. Nell’ambito della critica della ragione televisiva, questo potrebbe significare valutare l’eticità dei contenuti televisivi in base a come influenzano il comportamento e il pensiero degli spettatori. Ad esempio, gli spettacoli televisivi che promuovono la violenza o l’ingiustizia potrebbero essere considerati moralmente discutibili secondo l’imperativo categorico di Kant.
    3. Dignità umana: Kant sottolinea che gli esseri umani hanno dignità intrinseca e devono essere trattati come fini in sé stessi, non come mezzi per altri fini. Questo concetto può essere applicato al contesto televisivo considerando se i programmi televisivi rispettano la dignità e il valore degli individui. Ad esempio, la trasmissione di contenuti che denigrano o sfruttano gruppi sociali potrebbe essere contraria alla visione kantiana della dignità umana.

    In sintesi, i principi fondamentali del pensiero di Kant possono fornire una base per valutare criticamente l’impatto della televisione sulla nostra capacità di ragionare autonomamente, sulla moralità dei contenuti e sul rispetto della dignità umana degli individui.

    In conclusione, una critica della ragione televisiva sul modello di Kant potrebbe evidenziare come la televisione possa influenzare negativamente la nostra capacità di ragionare autonomamente, esercitare la nostra libertà e prendere decisioni morali.

  • L’infanzia distopica di Don’t hug me I’m scared

    L’infanzia distopica di Don’t hug me I’m scared

    Se cercate su Google “don’t hug me i’m scared” esce fuori una lapidaria classificazione di genere: umorismo nero. Un sottogenere del comico che è stato ampiamente sdoganato da Internet quanto sopravvalutato, fino a dare l’impressione che chiunque faccia battuta di cattivo gusto o “politicamente scorrette” sia assimilabile all’umorismo nero. Molto prima che influencer fascistoidi e troll perditempo blaterassero a casaccio battute che umiliavano i più deboli tacciandolo per libertà di espressione, e molto prima che tutto questo diventasse una macabra moda da reality show modello August Underground, i due creativi Becky Sloan e Joseph Pelling tirano fuori dal cilindro questo piccolo capolavoro.

    Che cos’è Don’t hug me I’m scared

    Una miniserie (che è diventata un meme in mille salse), e che ha molteplici pregi dalla sua:

    • il dono della sintesi: la prima serie è composta da sole 4 puntate
    • la semplicità della trama: si tratta di quattro personaggi immersi nelle loro attività quotidiane, caratterizzati da pupazzi antropomorfi;
    • la meta narrazione che è sempre auto-ironica e non troppo invasiva o celebrativa rispetto allo spettatore;
    • l’atmosfera surreale e il mashup innovativo tra generi (un tipico show per bambini miscelato con horror splatter e allucinatorio)
    • l‘improponibilità della serie stessa ad un pubblico generalista, che rimarrà per sempre confuso tra l’incertezza dell’attribuzione del genere e del “pubblico ideale” (che è composto invece da horrorofili con il gusto per la sperimentazione)

    Descrizione delle puntate e video per vederle

    Puntata 1 (Creativity)

    Fin dalle prime mosse la trama della serie ruota intorno a tre personaggi principali: Red Guy, Yellow Guy e Duck Guy, che sono marionette dal design simpatico e colorato. In ogni episodio, i protagonisti verranno coinvolti in situazioni strane e surreali che sfidano le convenzioni e le aspettative dei programmi educativi per bambini. Un vero e proprio cult su internet: inaugura lo stile provocatorio della serie che parte come un video per bambini incentrato su una spiegazione del concetto di creatività, e poi diventa improvvisamente una delirante allucinazione horror (la scritta DEATH, una torta di carne cruda, un cuore cosparso di brillantini).

    Green is not a creative color (Il verde non è un colore creativo) è diventato il meme rappresentativo della serie, ovviamente senseless nel suo concepimento.

    Puntata 2 (Time)

    Si parla del tempo e del suo scorrere incessante, in senso scientifico e in parte filosofico: la canzone è simpatica e orecchiabile, il tempo scorre, e diventa sempre meno piacevole mentre lo fa, fino a produrre la putrefazione dei personaggi.

    Puntata 3 (Love)

    Forse la migliore puntata della prima serie: un picnic provoca una crisi depressiva a Yellow Guy, che inizia a parlare con un’ape interessata a spiegargli la natura dell’amore. L’amore è in ogni parte del mondo, basta saperlo cercare (Your special one): un messaggio di pace e speranza che è destinato a diventare qualcosa di molto diverso solo sul finale (con un vero e proprio villain finale che ricorda pesantemente quello di The wicker man).

    Puntata 4 (Computers)

    I tre personaggi stanno giocando ad un gioco da tavolo, e viene fuori una domanda a cui non sanno rispondere: la cosa più naturale diventa naturalmente cercare su internet. Il problema è che il loro computer non li ascolta, sembra esibire un carattere egocentrico e soprattutto non ama essere toccato: poco dopo i tre personaggi si troveranno catapultati dentro un computer, in una realtà virtuale che mescola vari stili di animazione (incluso il 3D).

    Puntata 5 (Health)

    In questo caso la puntata è incentrata sul mangiare sano e sull’educazione alimentare, ma diventerà presto un pretesto per parlare di cannibalismo e chirurgia senza anestesia sul povero Duck Guy.

    Puntata 6 (Dreams)

    Puntata conclusiva della prima serie, incentrata sul mondo onirico, che poi si ricollega all’inizio lasciando il finale aperto. La serie originale era composta da questi 6 brevi episodi pubblicati su YouTube dal 29 luglio 2011 al 19 giugno 2016. Nel 2022 è stata realizzata una serie televisiva sequel trasmessa su All 4 e Channel 4.

    In conclusione

    Esiste anche una seconda serie che è uscita negli scorsi anni, e che sembra continuare sulla stessa falsariga.

    Ciò che rende “Don’t Hug Me I’m Scared” unico è probabilmente il suo stile visivo e di narrazione totalmente spiazzate e straniante. All’inizio di ogni episodio sembra essere un normale show educativo per bambini, ma gradualmente si trasforma in una spirale di oscurità, con rivelazioni inquietanti e bizzarre. Gli elementi colorati e infantili sono accompagnati da cambiamenti improvvisi e perturbanti nel tono e nell’aspetto dei personaggi.

    La serie è diventata famosa per il suo uso innovativo della tecnica di stop-motion e per le canzoni orecchiabili che accompagnano ogni episodio. Le canzoni, scritte e composte dagli stessi registi, hanno testi innocenti che progressivamente diventano inquietanti e trasmettono messaggi critici sulla società e la cultura moderna.

    In ogni episodio della serie, l’inizio ricorda quello di una normale serie per bambini, con marionette antropomorfe simili a quelle presenti in “Sesame Street” o “The Muppets”. La serie parodizza e satirizza questi programmi televisivi, contrastando l’ambiente colorato e infantile con temi inquietanti. Ogni episodio presenta una svolta surreale nel climax, con contenuti psichedelici e immagini che coinvolgono violenza grafica, umorismo nero, esistenzialismo e horror psicologico.

    I sei episodi della serie web esplorano e discutono argomenti di base tipici dell’educazione prescolare, come creatività, tempo, amore, tecnologia, dieta e sogni, mentre la serie televisiva tratta temi come lavoro, morte, famiglia, amicizia, trasporti e elettricità. La serie web ha ricevuto ampi consensi per la sua trama, il design di produzione, l’horror psicologico, l’umorismo, i temi nascosti, il lore e i personaggi, ed è considerata da molti una delle migliori serie web di tutti i tempi. La serie televisiva ha ricevuto acclamazione simile.

  • Sul significato della parola “cinefilo” – Wikicubo

    Sul significato della parola “cinefilo” – Wikicubo

    Un cinefilo è una persona che ama profondamente il cinema. È qualcuno che ha una passione particolare per i film, che apprezza e studia il cinema in modo approfondito. I cinefili non solo guardano film per puro divertimento, ma spesso conoscono la storia del cinema, i registi, gli attori, i generi cinematografici e apprezzano l’arte e la tecnica dietro la creazione di un film. Possono dedicare molto tempo alla visione di film, frequentare festival cinematografici, leggere recensioni o analisi critiche e discutere appassionatamente di cinema.

    Un cinefilo è colui il quale amasi in modo profondo l’arte del cinematografo. È uno che concepisce fervidamente il cinema, che apprecia e studia l’arte cinematografica con profonda intenzione. Non è uomo che guarda i film per diletto ma colui che possiede intelligenza sopraffina della storia del cinematografo, dei direttori, degli attori, e comprende l’arte e la tecnica che formano il film. Ei può dedicare grand’ora alla visione delle pellicole, frequentare rassegne cinematografiche, leggere critiche o discussioni sopra il cinematografo con ardente passione.

    • Cinofilo: Un “cinofilo” è una persona che ama profondamente i cani. Questa parola deriva dal greco antico, dove “cyno” significa “cane” e “filo” deriva da “filia”, che significa “amore”. Quindi, un cinofilo è qualcuno che ha un amore particolare per i cani, si interessa al loro benessere, al loro comportamento e può essere coinvolto nell’allevamento, nell’addestramento o nella cura dei cani.
    • Cinefilo: Un “cinefilo”, come menzionato in precedenza, è una persona che ama profondamente il cinema. Deriva dal greco “kínēma”, che significa “movimento” o “film” e “filo” da “filia”, che significa “amore”. Un cinefilo apprezza i film, studia la storia del cinema, conosce registi, attori e può essere appassionato di discutere film e tendenze cinematografiche.

    Una parola che rima con “filo” potrebbe essere “stilo”. Il termine “stilo” fa riferimento a uno strumento da scrittura, spesso in passato era una penna o uno strumento simile usato per scrivere su tavolette di cera o inchiostro su pergamena.

    In questo codice, abbiamo una classe Cinefilo che ha un attributo amore_cinema, che può essere vero o falso. Il metodo apprezza_cinema() restituisce un messaggio diverso a seconda se il cinefilo ami o meno il cinema. Nell’esempio, abbiamo creato un oggetto persona di tipo Cinefilo che ama il cinema, quindi il messaggio restituito sarà relativo all’apprezzamento profondo per il cinema.

    class Cinefilo:
    def __init__(self, amore_cinema):
        self.amore_cinema = amore_cinema

    def apprezza_cinema(self):
        if self.amore_cinema:
            return "Il cinefilo comprende e ama il cinema profondamente."
        else:
            return "Il cinefilo non apprezza a fondo il cinema."

persona = Cinefilo(amore_cinema=True)
print(persona.apprezza_cinema())

    Sia ora l’insieme dei cinefili. ∀c∈C, c è un cinefilo se e solo se c ha un amore profondo per il cinema.

    In simboli matematici, questo sarebbe rappresentato come:

  • 10 film diacronici che non puoi non aver visto

    10 film diacronici che non puoi non aver visto

    Il termine “diacronico” è un concetto utilizzato in diversi campi, tra cui linguistica, storia, e scienze sociali, per riferirsi a un’analisi che considera i cambiamenti e lo sviluppo nel tempo. In altre parole, l’analisi diacronica esamina come un fenomeno, un sistema o un concetto si sia evoluto e cambiato nel corso del tempo.

    La narrazione diacronica è importante per comprendere come gli eventi, le persone o gli elementi si siano sviluppati e trasformati nel corso del tempo. Questo tipo di narrazione permette di analizzare il contesto storico e di mettere in relazione gli avvenimenti passati con quelli presenti e futuri, contribuendo a una comprensione più completa della storia di un determinato soggetto.

    Una narrazione diacronica è una forma di narrazione o di rappresentazione che si sviluppa lungo un arco temporale, mostrando l’evoluzione e i cambiamenti nel tempo di un determinato fenomeno, evento, personaggio o concetto. Questo tipo di narrazione mette in evidenza la successione cronologica degli eventi o dei processi, concentrandosi sulla storia o sulla linea temporale.

    Ecco alcuni esempi di narrazioni diacroniche:

    1. Biografia: Una biografia è un esempio classico di narrazione diacronica. Narra la vita di una persona dall’infanzia alla morte, evidenziando le tappe significative e le trasformazioni nel corso della sua vita.
    2. Storia: Un libro di storia racconta gli eventi e gli sviluppi nel corso del tempo, spesso in ordine cronologico. Questa narrazione diacronica può coprire periodi specifici, come la storia di un paese o un’epoca storica.
    3. Evoluzione di un concetto o idea: Una narrazione diacronica può essere utilizzata per esplorare l’evoluzione di un concetto o di un’idea nel corso del tempo. Ad esempio, come una teoria scientifica è stata sviluppata e modificata nel corso degli anni.
    4. Storia di una azienda o un’organizzazione: La storia di una società, azienda o organizzazione è una narrazione diacronica che può mostrare come sia nata, cresciuta e cambiata nel corso degli anni.
    5. Storia di una famiglia: La storia di una famiglia segue il percorso di una famiglia attraverso le generazioni, evidenziando i cambiamenti sociali, culturali e personali nel tempo.

    Ecco alcuni film famosi che presentano una narrazione diacronica, insieme ai rispettivi cast e registi:

    1. “Forrest Gump” (1994)
      • Regia: Robert Zemeckis
      • Cast: Tom Hanks (Forrest Gump), Robin Wright (Jenny Curran), Gary Sinise (Tenente Dan Taylor)
      • Trama: “Forrest Gump” è un film che segue la vita di Forrest Gump, un uomo con un basso QI, attraverso molte decadi della storia americana. La storia è narrata in modo diacronico, con Forrest che attraversa eventi chiave degli anni ’60, ’70 e ’80, mentre incontra personaggi storici e affronta le sfide della sua vita.
    2. “The Social Network” (2010)
      • Regia: David Fincher
      • Cast: Jesse Eisenberg (Mark Zuckerberg), Andrew Garfield (Eduardo Saverin), Justin Timberlake (Sean Parker)
      • Trama: Questo film racconta la storia dell’ascesa di Facebook, il famoso social network, e segue il suo fondatore Mark Zuckerberg attraverso gli anni 2000. La narrazione diacronica esplora lo sviluppo di Facebook e le controversie legali che ne sono derivate.
    3. “Il Padrino – Parte II” (1974)
      • Regia: Francis Ford Coppola
      • Cast: Al Pacino (Michael Corleone), Robert De Niro (Giovanni Corleone), Robert Duvall (Tom Hagen)
      • Trama: Questo sequel del celebre “Il Padrino” combina due narrazioni diacroniche: segue Michael Corleone negli anni ’50 mentre cerca di espandere l’Impero della Famiglia Corleone e rivela anche il passato di suo padre, Vito Corleone, negli anni ’20.
    4. “Boyhood” (2014)
      • Regia: Richard Linklater
      • Cast: Ellar Coltrane (Mason), Patricia Arquette (Olivia), Ethan Hawke (Mason Sr.)
      • Trama: “Boyhood” è un esempio particolare di narrazione diacronica poiché è stato girato durante un periodo di 12 anni. Il film segue la vita di Mason, un ragazzo, dalla sua infanzia all’età adulta, mostrando il suo sviluppo e cambiamento nel corso degli anni.
    5. “The Curious Case of Benjamin Button” (2008)
      • Regia: David Fincher
      • Cast: Brad Pitt (Benjamin Button), Cate Blanchett (Daisy), Taraji P. Henson (Queenie)
      • Trama: Questo film racconta la storia di Benjamin Button, un uomo che nasce anziano e invecchia all’indietro nel tempo. La narrazione segue la sua vita insolita e unica mentre attraversa le diverse fasi dell’età.

    Questi sono solo alcuni esempi di film famosi con una narrazione diacronica che copre un arco temporale esteso. Ognuno di questi film offre una prospettiva unica sul passare del tempo e sugli eventi che influenzano i personaggi principali.